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Siempre habrá mucho debate sobre cuál es la mejor época para el cine. Por mi parte, diré con gran seguridad que el mejor período de la historia del cine fueron los años 70.
Ciertamente hubo una transición durante esta década que vio continuar el cine de finales de los 60, hasta el nacimiento de la superproducción tal como la conocemos hoy.
Casi podríamos dividir los años 70 en dos categorías, aunque también mencionaré subcategorías como el período Blaxploitation. Por un lado, los directores comenzaban a alejarse lo más posible del código de producción tradicional de Hollywood.
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Se traspasaron los límites y el optimismo fue reemplazado por un trabajo profundamente pesimista. No todo tuvo un final feliz. Las cosas se estaban volviendo más oscuras, lo que reflejaba un período difícil en la historia social, a medida que pasábamos de la era de los derechos civiles a la de Nixon, Vietnam y las luchas económicas en todo Occidente. En última instancia, las cosas pasarían de las tensiones en el Lejano Oriente a las tensiones con Rusia.
La última guerra mundial era todavía relativamente reciente y los conflictos violentos de finales de los años 1960 y la sensación de malestar que los acompañó hicieron de este período un momento preocupante e inquietante en la historia social. Como todo, esto se refleja en el cine.
A veces, esto puede funcionar de varias maneras. Hay una inclinación hacia el cine socialmente reflexivo o más hacia el cine escapista y hacia finales de los años 70 asistimos a la transición del primero al segundo.
A principios de la década de 1970, estas películas más valientes y una nueva ola de directores frescos y vigorizantes, como Francis Ford Coppola y Martin Scorsese , por ejemplo, ofrecían una selección de películas a menudo austera pero elegante.
Asimismo, un grupo de actores (y actrices) excepcionalmente prometedores como Robert De Niro, Al Pacino, Dustin Hoffman, Jack Nicholson, Meryl Streep y Harvey Keitel comenzarían a marcar el camino en la sustitución de las estrellas más doradas de Hollywood. molde de Cary Grant etc. Continuarían forjando el camino que alguien como Marlon Brando había comenzado a labrar.
El enfoque metodológico será mucho más común en esta era y establecerá firmemente un enfoque audaz y audaz para que lo adopten los futuros actores. De manera similar, en la comedia, las travesuras físicas de Jerry Lewis fueron reemplazadas por las reflexiones neuróticas de directores como Woody Allen y Albert Brooks . Lo que conocemos más recientemente como mumblecore se basa en gran medida en los trabajos de Allen, etc.
Sin entrar en demasiados detalles sobre cómo funcionaron estas películas, porque cada película que podría nombrar vale un libro de teorización por sí sola, no hace falta decir que la cantidad de cine clásico que surgió en esta década es asombrosa.
Sí, sería demasiado fácil señalar con el dedo a dos padrinos y llamarlos la cúspide del cine. Son sin duda obras maestras. Sabemos por qué. Entonces los evitaré. Su reputación les precede.
Siguiendo con Coppola, voy a hablar un poco sobre un ejemplo clásico de una película que encarna perfectamente el enfoque del cine de los años 70. Fue oportuna, estimulante y oscura. También fue un ejemplo de una de las películas peor situadas en el currículum de un director de la historia.
Esta película no podría estar peor colocada de lo que estaba, ya que durante la colocación misma la película fue absorbida por un agujero negro. Quedó totalmente eclipsado por lo que le precedió y le siguió.
Esta es The Conversation, la película minimalista, simple y minimalista que se intercaló entre las dos primeras películas grandiosas de Coppola, El Padrino. En sí misma, La conversación es una película brillante. Es una obra maestra. Atractivo, inteligente, excepcionalmente escrito y, de una manera extraña, parece una ocurrencia tardía. Parece que está llenando el tiempo.
Llena un vacío entre las epopeyas de gánsteres. Desde cada pieza costosa y elaborada, desde la puesta en escena y edición de El Padrino, hasta el encuadre y la quietud bellamente simples de La Conversación.
Esta película merece estar en el top 100. Vale, puede que no tenga el diseño icónico del excepcional dúo de gánsteres de Coppola (no mencionaremos la tercera parte), pero Gene Hackman ofrece una de sus interpretaciones más introspectivas y efectivas, en una película con un exquisito diseño sonoro y un emocionante retrato de una crisis nerviosa debida a la paranoia.
No puedo enfatizar lo suficiente a quienes se lo perdieron, pero definitivamente deben ver The Conversation.
Coppola terminaría la década con una extensa epopeya bélica que, estilísticamente, es la antítesis del enfoque sencillo que utilizó en el de Hackman antes mencionado
Apocalypse Now fue una prueba tortuosa. Casi le cuesta la vida a Martin Sheen. Coppola adoptó un enfoque perfeccionista al respecto. Cada imagen de cada escena es arte. Es una película impresionante con imágenes sorprendentes que juegan maravillosamente con el horror sombrío de lo que realmente representa.
Todo, desde los escenarios vastos y visualmente deslumbrantes hasta la intimidad de la actuación inquietante pero intensamente inmersiva de Marlon Brando, es una obra de genio que define el género.
Si hay algo que encarna a la perfección el estándar de los años 70 respecto al resto es el currículum de Coppola. Hizo un gran trabajo a lo largo de los 80 (me encanta Rumble Fish) pero nada como la saga Corleone, su épica Nam o incluso The Conversation.
Scorsese se embarcó en Mean Streets, una película de gánsteres cruda y elegante que mostraba una descripción mucho menos romántica y moderna (en ese momento) de las... bueno... calles malas.
La década de 1970 fue un período de Scorsese crudo y experimental. Se acercaba el gran momento y, en cierta medida, esa vivacidad nerviosa y creativa que había alcanzado su punto máximo a finales de década con Toro Salvaje.
A principios de los años 80 había perfeccionado su oficio y en diez años dirigiría una obra maestra en Goodfellas . Sin embargo, una de sus películas más estilizadas e introspectivas es Taxi Driver .
Es un director en ascenso, lleno de nuevas ideas, audacia e instinto. De Niro fue fascinante. Casi el 90% de lo que hace que su actuación sea tan cautivadora es interna. Travis Bickle atrae al público y exige nuestra atención e interpretación.
La película no se parece a nada que Scorsese haya hecho desde entonces. Al final, también fue oportuno. Era una película atípica de los años 1970 y las representaciones románticas de Nueva York han desaparecido en gran medida, sustituidas por películas como Taxi Driver. Véase también Los Ángeles, Chicago y San Francisco. Los realizadores ahora mostraron lo que sucedió detrás de escena.
Incluso en una película de época todo era muy moderno. Chinatown, por ejemplo, parecía un viejo árbol de goma negra, pero todo en él goteaba (brillantemente) del pesimismo de los años setenta.
Esta era no se trataba solo de bengalas y cabello largo, ni mucho menos, y ciertamente no cinematográficamente. Jack Nicholson se estaba estableciendo firmemente en la nueva ola, mientras que como director Roman Polanski comenzaba a hacerse un nombre fuera de Europa (y antes se hizo un nombre por algo en realidad menos sabroso).
La película, que es un buen ejemplo de guión (de Robert Towne) como se puede ver, es innegablemente siniestra y no rehuye nada de lo que describe, ya sea corrupción corporativa, policía o violación incestuosa.
Cuando se pronuncian las inmortales palabras finales, " It's Chinatown ", después de uno de los finales más oscuros y conmovedores del cine, el espectador se rompe, pero se libera el control, ese estado de visualización cautivador y apasionado. Chinatown, como gran parte del cine de esa época, permanece contigo.
Puedes ver una amplia gama de películas difíciles, oscuras y poderosas de la época, desde las de gran presupuesto hasta las de bajo presupuesto. The French Connection, Marathon Man , Badlands, magníficamente cruda y visceral.
Del mismo modo, cuando ves una película como Todos los hombres presidentes , demuestra que los realizadores no le temen a la historia inmediata. Se ocuparon del aquí y ahora, sin dejar que las heridas sanaran primero.
Así que hay un grupo de estrellas y directores en ascenso que son pioneros en estilos nuevos y estimulantes. Pero mientras tanto, las estrellas y directores consagrados seguían trabajando.
Brando , que reescribió las reglas del juego en los años 50, todavía producía espectáculos icónicos para Coppola. Sidney Lumet , un director que inspiró a muchos directores emergentes de los años 70 (incluidos FFC y Scorsese), todavía estaba produciendo algunas de sus mejores obras, como Tarde de perros y Serpico (que no causaron sensación en sus representaciones del malestar social y corrupción institucional).
Esta época fue también un período clave en el cine de explotación. Directores como Michael Winner (Death Wish) y Abel Ferrara están entrando en escena. Su cine era descuidado, un poco vulgar, pero extrañamente revelador.
Entre los restos de Death Wish se encuentran algunos comentarios sociales reveladores. No solo habla del entorno urbano de la ciudad estadounidense, sino también de la sociedad occidental en su conjunto en ese momento. Esta es una película que fácilmente podría filmarse y ambientarse en Londres.
De hecho, si nos fijamos en el mundo oscuro y melancólico de Get Carter (Mike Hodges), los británicos ciertamente parecían querer alejarse de las representaciones románticas de la vida urbana. Si figuras como Coppola rompieran el tradicionalismo, como las formas rígidas de disparo, la iluminación de tres puntos, etc. También, sin motivo alguno, sobrepasaron los límites de la comisión de evaluación.
Era una época en la que las películas pornográficas eran muy comunes. El código de producción de Hollywood estaba en llamas. Todo el mundo estaba superando los niveles de gusto y decencia y probando suerte. Garganta profunda, Debbie Does Dallas y otros.
Al mismo tiempo, vimos un fuerte movimiento negro con el auge del cine . De repente, estaba surgiendo una población que antes no se había considerado.
Por supuesto, el movimiento de derechos civiles contribuyó a esto. No era sólo el público estándar atípico (a menudo considerado por Hollywood hombres blancos, y como mucho mujeres blancas) el que exigía un cine más realista y más crudo, también había un público minoritario que exigía algo para sí mismo.
Mientras Pacino y De Niro, etc. estaban haciendo lo suyo (con sus propias identidades italianas/estadounidenses), vimos estrellas como Richard Roundtree , Fred Williamson , Pam Grier y Jim Killy protagonizar una colección de películas de explotación modernas, geniales y con actitud inyectada.
Ya fuera Shaft , Coffy o Foxy Brown , estas películas no eran del todo realistas. Eran básicamente películas de cómics con un toque de basura a limón.
En cierto modo, estas películas eran una forma de eludir la tradición e incluso la Nueva Ola de Hollywood (que había comenzado a presentar a menudo personajes negros como parte de bandas criminales, etc.)
Lo que todo esto muestra es lo maravillosamente ecléctico que era el cine estadounidense y británico. Al mismo tiempo, hubo mucho cine experimental.
La gente se estaba alejando de los sistemas de estudio. Un colectivo de graduados de escuelas de cine hacía sus propias películas de bajo presupuesto y buscaba trampolines para obras más importantes (Scorsese, Ferrara, FFC, etc.).
Personas como Terrence Malick o John Cassavetes eran muy inusuales en su enfoque estilístico y en la forma en que contaban historias. Cassavetes, en particular, tenía un estilo muy crudo, pero había una verdad observadora en todo lo que hacía.
Por supuesto, el cine interesante no se limitaba sólo a Occidente. Pero hasta cierto punto, simplemente se trata de ponerse al día con lo que ya han hecho el cine oriental y Europa.
Mientras tanto, a pesar de las tensiones, el cine de Europa del Este comenzaba a atraer la atención en Estados Unidos. De hecho, la apreciación del cine mundial por parte del espectador se está volviendo cada vez más perspicaz y abierta a influencias más amplias.
Andrei Tarkovsky fusionó maravillosamente el arte y la estética de la fotografía con la imagen en movimiento. Allanó el camino para un grupo de directores rusos y de Europa del Este. El cine francés ya se había apoderado de gran parte del grupo; El cine estadounidense estaba ahora, a finales de los cincuenta, bien entrados los sesenta, mientras experimentalistas como Godard continuaban trabajando sólidamente.
Como dije, podría dedicar artículos completos a cada persona mencionada, pero no estoy seguro de que Internet tenga capacidad de almacenamiento para mis divagaciones. Los citados Polanksi y Milos Forman también darían el salto desde sus respectivos países a la fama de Hollywood.
Las películas de terror estaban revolucionando su estilo. Recogen las semillas cosidas por personajes como Hitchcock o Michael Powell (Peeping Tom). Se amplían los enfoques estilísticos y se traspasan los límites en términos de videovigilancia, colores y edición.
Finalmente, las cosas se vuelven cada vez más oscuras (satánicas), aterradoras o sangrientas. Tuvimos El exorcista, El bebé de Rosemary, El presagio y luego las películas de Giallo que nos llegaron desde Italia . Dario Argento , con electrizantes películas de terror como Deep Red y Suspiria , un movimiento de directores creativos, transgresores y sin límites.
A finales de los 70, John Carpenter y reescribió las reglas del slasher, lo que dio lugar a una serie de imitaciones y franquicias a lo largo de los 80.
Como mencioné antes, las cosas se fueron aclarando gradualmente hacia el final de la década, ya que el público ahora necesitaba un poco de escapismo. De repente vimos esperanza y bondad.
Un poco de fantasía aquí y allá. Desde Harry el sucio , Deliverance y Don't Look Now , hasta películas como Rocky, Encuentros en la tercera fase , Grease y, por supuesto, Star Wars . Hoy en día, los cineastas buscan cada vez más obtener ingresos de taquilla en lugar de desafiar la conciencia intelectual o social del público.
Todavía había mezcla en los años 80, pero el panorama estaba cambiando definitivamente hacia la fantasía. Ya sean historias de extraños o aventuras espaciales. La realidad de la era post-Nixon-Nam se estaba volviendo difícil de asimilar. La gente quería ver la realidad, pero también la vivía. Necesitaban algo diferente.
En alguien como Rocky Balboa, por ejemplo, mostraba cierta esperanza. Que incluso en estas calles sucias para el hombre común, existía la posibilidad de que ocurriera algo mayor.
ancho de banda de Flickering Myth con mucho más, les preguntaré cuáles son sus películas favoritas de los años 70 y, de hecho, ¿existe una era mejor para el cine?
Simplemente busque en Google una lista de películas de los años 70 para ver cuál fue la producción más destacada (mundial) de esa década. No creo que podamos superarla.
¡También puedes encontrar nuestro top 100 de las mejores películas rodadas en Nueva York de todas las épocas!
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